Wie wähle ich die richtige Stimmübung aus? Natürlich können wir immer wieder Übungen auswendig lernen, die wir bei Lehrer:innen gehört haben. Ihre Vokalfolgen, ihre Tonhöhen, ihre Tonhöhen-Abfolgen.

Aber leichter wird alles, wenn wir uns vergegenwärtigen, warum wir bestimmte Abfolgen von Vokalen und Vokalfarben benutzen und was sie bei uns und unseren Schüler:innen bewirken.

Das Vokaldreieck – ein tolles Tool für den Gesang

Und ein tolles Tool, um sich das zu vergegenwärtigen ist das Vokaldreieck. Es ist entstanden aus dem Wissen um die akustische Nähe bestimmter Vokale. Denn Vokale entstehen aufgrund definierbarer Frequenzen, die uns durch unser Ohr erkennen lassen, dass wir mehr Vokalfarben herstellen können als der berühmt-berüchtigte sprechende Hund bei Loriot. 😅 Wir haben die Fähigkeit durch die Bewegungsmöglichkeiten von Kiefer, Lippen und Zunge sehr viele verschiedene Vokalfarben hervorzubringen.

Und das Vokaldreieck ist ein wunderbares Tool, was wir nutzen, um uns mit der Artikulation beim Singen vertraut zu machen und am sogenannten Vokalausgleich zu arbeiten.

Schauen wir es uns einmal genauer an:

Man könnte auf den ersten Blick denken: ah, lauter verschiedene Buchstaben.

Wenn wir an Sprache denken, magst du da recht haben. Denn so nennen wir diese Gebilde, die es uns erlauben, sie in allen möglichen und unmöglichen Kombinationen zusammenzusetzen und uns damit unglaublich vielfältig in sehr, sehr vielen Sprachen verständigen zu können. Wir können damit sowohl tiefe Gefühle ausdrücken als auch die Erklärung der Relativitätstheorie bewältigen (so wir sie selbst verstanden haben 😅). Wow, Sprache – was für ein Tool für die Kommunikation unter Menschen.

Aber beim Singen schauen wir uns die Vokalgebilde unter einem anderen Aspekt an. Nämlich unter dem der Bewegung. Und vor allem geht es beim Singen von Übungen nicht in erster Linie um Verstehen der Sprache, sondern um den Klang. Wir wissen, manche sehen das anders. Sie meinen Singen sei Sprache auf Tonhöhe, aber das funktioniert nicht. Könnt ihr selbst ausprobieren, indem ihr auf einem sehr hohen Ton versucht, gleichzeitig deutlich zu sprechen wie halt beim Sprechen und euch gleichzeitig bequem in eurem Hals zu fühlen. Bei dir klappt das? Dann bist du ein akustisches Wunder oder du warst noch nicht hoch genug mit der Tonhöhe 😉

Kommen wir zurück zum Klang. Wir haben gute Möglichkeiten den Klang zu beeinflussen durch die Artikulation. (Du möchtest mehr über Artikulation und die Artikulations-„Werkzeuge“ erfahren, dann lies hier)

Verschiedene Bewegungsrichtungen im Vokaldreieck

Am besten lernen wir neue Dinge, wenn wir nicht zu viel Veränderungen auf einmal vornehmen müssen. Schritt für Schritt ist leichter als die Siebenmeilenstiefel zu nehmen.

Und da hat das Vokaldreieck die richtigen Kombinationen für uns parat. Je nachdem an welchem Thema der Artikulation wir gerade arbeiten möchten, können wir uns die entsprechenden Vokalreihen heraussuchen.

Und wir können auch selbst kreativ werden und eigene Reihen zusammen stellen.

Denn alle Vokalkombinationen sind Bewegungen und Bewegungsrichtungen. Wollen wir uns in Richtung Öffnung des Kiefers bewegen, wählen wir die Kombinationen, die uns zum Vokal A führen. Wenn wir eher die Rundung der Lippen trainieren wollen, werden wir die Folgen wählen, die uns zu U und O führen. Wollen wir hingegen die Zunge in Bewegung bringen, bieten sich die Kombinationen an, die Richtung I, E und Ä gehen. Denn wenn wir die angegebenen Reihenfolgen wählen, haben wir immer nur sehr kleine Schritte von einem zum nächsten Vokal zu gehen. Damit fällt es uns und unseren Schüler:innen viel leichter, eine günstige Vokalgestaltung zu finden. Und damit lernen sie die notwendige sängerische neue Artikulationsbasis, die sich vom Sprechen teils deutlich unterscheidet.

Bewegungen in Richtung A – auf dem Weg zur Kieferöffnung

Die Kieferöffnung ist die erste und am Anfang wichtigste Bewegung, die wir beim Singen brauchen. Beim Sprechen ist der Mund meist nicht sonderlich weit geöffnet und es ist wichtig, das zu ändern. Denn wir brauchen eine Öffnung im Atemweg, damit in recht kurzer Zeit genug Luft in unsere Lungen kommen kann. Und wir brauchen die Öffnung des Mundes, damit wir mehr Klang produzieren können. Mehr Raum = mehr Klang -> ganz einfache Rechnung.

Nun haben wir verschiedene Möglichkeiten, um zu einer Kieferöffnung zu gelangen. Ich habe da mal was vorbereitet und ein paar Pfeile entfernt, damit die Wege klarer werden.

Möglichkeit 1: Wir starten mit U über O und kommen (manchmal noch über ein offenes O) zum A. Wir haben, wenn es gut läuft eine Lippenrundung bei U, öffnen den Kiefer weiter, ohne die Rundung zu verlieren und kommen damit zu O. Und sobald wir den Kiefer noch weiter öffnen, sind wir schwupps im A. Oder auch weniger schwupps, denn wir können natürlich alle möglichen Vokalfarben, die zwischen zwei uns bekannten Vokalfarben liegen ausprobieren.

Aus dem Lernen von Fremdsprachen wissen wir, dass beispielsweise einer dieser typischen schwedischen Vokale ein Klang ist, den wir irgendwo zwischen O und A einsortieren würden. Also freut euch an vielen, vielen Vokalfarben, die wie auf einer Farbpalette ineinander fließen können.

Möglichkeit 2: Wir beginnen mit I, gehen über E zu Ä und landen wieder beim A. Diesmal sind wir mit einem Vokal mit Zungenhebung, nämlich dem I gestartet. Die Zunge darf weiter gehoben bleiben, jedenfalls ein wenig und wieder öffnet sich langsam der Kiefer bis wir bei Ä angekommen sind. Da ist der Kiefer schon genauso weit geöffnet wie beim A und nun müssen wir nur noch die Zunge leicht senken lassen und wieder schwupps, sind wir beim A. (zu schwupps oder nicht nicht-schwupps siehe oben 😉)

Möglichkeit 3: Version für Fortgeschrittene. Denn nun kombinieren wir. Wir lieben unsere Rundung, ergo starten wir bei U. Aber Zungenhebung finden wir auch cool, denn manchmal haben wir dann viel Platz in unserem Resonanzraum, dem Vokaltrakt (du mehr über den Vokaltrakt wissen wollen? Lies hier)

Nun können wir mit dem Vokal Ü beides als Doppelpack haben. Es ist gerundet wie beim U und die Zunge ist gehoben wie beim I, toll. Wir wollen Rundung beibehalten, aber auch den Kiefer langsam öffnen, denn schließlich ist A unser Ziel. Dann wählen wir den Weg über Ö und Ä und schwupps… du weißt schon, A. Super.

Unsere Einladung an dich: probiere alle Wege aus und stell dir selbst Fragen.

• Wann fällt es leichter, den Kiefer in Richtung A zu öffnen?
• Wie verändert sich die Vokalfarbe des Vokals A?
• Welches A scheint momentan stimmlich am wenigsten anstrengend zu sein?

Bewegungen in Richtung U – auf dem Weg zur Rundung

Die zweite Bewegungsrichtung, die wir trainieren ist die Rundung der Lippen. Kieferöffnung fand noch sehr weit außen statt, die Rundung im Grunde genommen auch, aber wir können Auswirkungen der Rundung bis in die Rachenrückwand spüren. Und genau das ist der Ort, den wir erreichen wollen. Denn der Rachen ist unser Resonanzraum, unser Vokaltrakt beim Singen.

Und auch hier haben wir wieder verschiedene Wege, die wir einschlagen können. Ich habe die Abbildung dazu nochmal ein wenig angepasst, damit es klarer wird.

Möglichkeit 1: Wir kommen vom Vokal A, denn die Kieferöffnung beim Einatmen und Singen haben wir als erstes schon geübt. Der Kiefer ist also offen und die Lippenrundung kommt dazu. Wir können ausprobieren, wie weit sich der Kiefer schließen muss, wenn wir über ein offenes O zu einem geschlossenen O und schließlich einem U kommen. (Mit offen und geschlossen sind vor allem die Vokalfarben gemeint, aber interessanterweise ist es auch der Kiefer der dazu mehr Öffnung oder Schließung benötigt.) Wir trainieren, dass unsere Lippen sich wie bei einer Kameralinse in Rundung Richtung Kussmund bewegen dürfen. Die Mundwinkel sind dabei diejenige, die die Bewegung leiten.

Möglichkeit 2: Wir möchten mit einer gehobenen Zunge starten, warum auch immer. Dann wählen wir den Weg I durch Ü zu U. Hier lernen wir, wie wir mit einer gehobenen Zunge in die Rundung gehen können und wie sich die Zunge auch beim U etwas höher ablegen darf, als wir es durch die Sprache meist gewohnt sind.

Möglichkeit 3: Auch hier haben wir eine fortgeschrittene Version, die uns mit allen drei Artikulationsbewegungen konfrontiert. Allerdings, wie in der gesamten Arbeit mit dem Vokaldreieck kommt immer nur eine neue Bewegung dazu. Diesmal starten wir wieder auf einem A mit geöffnetem Kiefer. Und nun wollen wir zuerst die Zungenhebung mit hineinnehmen, also gehen wir zum Ä. Von dort fügen wir Rundung hinzu für Ö und Ü und kommen schließlich von da aus auch wieder bei unserem U an.

Und auch hier interessieren wir uns für die Unterschiede, die die einzelnen Wege haben. Vergleiche die drei Vokalfarben von U, die du erhältst.

• Wie fühlt sich die Bewegung der Lippenrundung an, wenn du vom A mit einem weit geöffneten Kiefer kommst?
• Und welches U erreichst du, wenn du mit Zungenhebung, aber einem nicht so geöffneten Kiefer startest?
• Ist es möglich zu einem weit geöffneten Kiefer mit einer gehobenen Zunge die Rundung für Ö hinzuzufügen? Und was macht das am Ende mit deinem Vokal U?

Bewegungen in Richtung I – auf dem Weg zur Zungenhebung

Last but not least kommen wir jetzt zur Zungenbewegung. Das ist die am Anfang schwierigste Bewegung und das hat mehrere Gründe. Die Zunge ist ein sehr flexibles, muskuläres Gebilde. Man könnte sie fast als ein eigenes Organ bezeichnen, denn sie hat ein deutliches Eigenleben. Das hat sie aufgrund ihrer vielen verschiedenen Funktionen und neurologischen Ansteuerungen. Den Seufzer: meine Zunge macht nie das, was ich möchte, hören wir sowohl von Anfänger:innen als auch von Fortgeschrittenen. Du bist also nicht allein, falls du das kennst.

Und am besten bringen wir dann das ganze System in Bewegung, statt die eine richtige Position zu suchen und die arme Zunge dort festzunageln. Dazu kommt hier wieder die Abbildung mit den möglichen Bewegungsrichtungen.

Möglichkeit 1: Wir starten wieder mit der gut geübten Kieferöffnung auf dem Vokal A. Lassen nur die Zunge sich heben zu Ä, beobachten wie weit der Kiefer sich schließen muss zu E und schließlich zum I. Das Schwupps lassen wir gleich mal weg, denn die Wahrnehmung der Zunge braucht ein wenig Zeit.

Möglichkeit 2: Wir haben auch die Lippenrundung gut geübt und möchten ein runderes I bekommen, denn manchmal ist ein Vokal I auch mal etwas scharf und das ist vielleicht nicht immer unsere Intention. Wir beginnen also mit einem gerundeten U, wandern zum immer noch gerundete Ü mit der Zungenhebung. Und von dort lassen wir die Rundung ein wenig gehen, so dass wir ein I hören können.

Möglichkeit 3: Wir möchten wieder mit Kieferöffnung beginnen, aber die Zungenhebung zum Ä mit dem geöffneten Kiefer tat uns auch gut. Außerdem möchten wir die Rundung mit hinein nehmen. Deshalb wählen wir den scheinbar umständlichen Weg über Ö und Ü zum angestrebten I. Genial, wie wir immer wieder finden. Und sobald du gelernt hast, in Bewegungsrichtungen statt in Buchstaben zu denken, ist es auch nicht mehr schwierig, auf einmal 5 statt 3 Vokale in einer Übung zu singen.

Möglichkeit 4: Jaha, hier haben wir noch eine weitere Möglichkeit. Du findest die Kombi AOU richtig gut, denn der Kiefer ist geöffnet, du kannst die Lippenrundung supergut gestalten und suchst eine günstige Zungenstellung. Dann wähle doch spaßeshalber die zweite Vokalreihe mit 5 unterschiedlichen Vokalen und geh den Weg AOUÜI.

Auch jetzt hast du wieder viele Möglichkeiten, etwas zu vergleichen. Wenn du die Übungen als Pädagogin anwendest, sei neugierig wie sie sich im Klang unterscheiden.

• Wie scharf oder rund ist das I, das wir erreichen? Unterscheidet es sich auf den unterschiedlichen Wegen?
• Wie dunkel oder wie hell scheint das I zu klingen?

Und als Sänger:in beobachtest du vor allem wie dein Bewegungs- und Stimmempfinden ist.

• Wie leicht lässt sich die Zunge bewegen, wenn du über die Kieferöffnung und den Vokal Ä gehst?
• Wie leicht lässt sich die Zunge bewegen, wenn du zuerst die Rundung dazu nimmst, um darüber zu einem I zu gelangen?
• Welcher Weg scheint sich auch stimmlich für dich am geschmeidigsten und leichtesten anzufühlen?

Einladung zum Spielen mit verschiedenen Tonhöhen und Abfolgen

Und wenn du dir das Vokaldreieck noch einmal vornimmst, findest du bestimmt noch weitere Kombinationen, die sich lohnen, sie mal auszuprobieren.

Am Anfang, wenn es um das Erlernen einer neuen Bewegung geht, ist es sehr gut, wenn du es auf einem Ton machst.

Möchtest du später mehr Bewegung in die Angelegenheit bringen und ausprobieren, ob es sich schon ein wenig automatisiert hat, dann wähle gern Arpeggien, Dreiklangsbrechungen bis zur Quinte oder Oktave.

Bist du schon fortgeschrittener, dann mach es ruhig auch mit Tonleitern und Dreiklängen über 2 Oktaven.

Erlaubt ist, was gut geht und gefällt und vor allem Spaß macht.

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Zu Beginn dieses Artikels möchte ich eine Erfahrung aus einem meiner Kurse mit euch teilen.

Ich bot vor einigen Jahren einen Kurs für Chorsänger:innen an, er hieß „Chor im Flow“. Ich hatte eine Menge Übungen für die Stimme heraus gesucht, die Einfluss auf das autonome Nervensystem hatten. Dabei wurde der parasympathische Teil und die mit ihm verbundenen Sinne angesprochen, allen voran das Sehen und die Augen..

Flow-Zustände

Das Wort Flow kam irgendwann in Mode, es gibt mittlerweile einen ganzen Forschungszweig dazu. Es beschreibt einen Zustand, in dem uns etwas scheinbar mühelos gelingt, wir sehr mit uns verbunden sind und die Zeit keine Rolle mehr zu spielen scheint. Manche denken dabei auch an die frühe Kindheit, wo wir noch in der Lage zu sein schienen, uns ganz selbstvergessen mit etwas zu beschäftigen. In der Meditation sagt man dann oft, dass man ganz im Hier und Jetzt sein konnte. Ich persönlich kenne diesen Zustand vor allem beim Tanzen, aber auch beim Singen.

Doch diesen Zustand im Musizieren zu erreichen, fällt uns nicht immer ganz leicht. Oft sind wir so geprägt durch richtig und falsch, durch die Ästhetik und die teils sehr hohen Ansprüche an uns selbst und andere. In diesem Dilemma, wo unser Kopf ständig mit Bewertungen beschäftigt ist, ist es schwer, noch auf sich zu hören. Denn wenn wir uns bewerten, fühlt es sich an, als ginge es ums Überleben. Und die Sinne in einer solchen Situation mitzunehmen, scheint manchmal unmöglich.

Stimme, Sehen und unsere Augen – Funktion beim Chorsingen

Nun arbeiten wir beim Singen vor allem viel mit dem Hören, aber in diesem Kurs machten wir Übungen, die mit dem Sehen verbunden waren. Denn gerade im Chor sind wir viel mit unseren Augen beschäftigt. Wir schauen in die Noten, lesen dort den Notentext, aber natürlich auch den Text unter den Noten, wir schauen zur Dirigentin, um ihre Signale für die Interpretation aufzufangen. Unsere Augen sind sehr aktiv.

Das bedeutete für mich, auf die verschiedenen biologischen Notwendigkeiten des Sehens Bezug zu nehmen, als da wären: Orientierung über die Augen, Kontakt mit anderen über Augenkontakt, Fokussieren, wenn wir eine Gefahr genau erkennen müssen, den Blick weit stellen, wenn es um das allgemeine Abchecken der Umgebung geht. All das wird in unserem Hirnstamm gesteuert.

Und es ist gut, wenn wir diese Fähigkeiten auch für das gemeinsame Musizieren einsetzen können.

Auswendig singen oder nicht auswendig singen – das ist hier die Frage

Ich ließ die Sänger:innen die gleiche Phrase zuerst mit Schauen in die Noten und dann auswendig singen. Der Klangunterschied war erstaunlich. Selbst wenn sie das Stück auswendig konnten und gar nicht mehr wirklich lesen mussten, allein die Möglichkeit, Worte und Buchstaben zu erkennen, veränderte den Klang. Eine interessante Erfahrung, denn je nachdem, wohin wir unsere Augen richten, auf welche Art wir mit uns im Schauen verbunden sind, werden unterschiedliche Gehirnzentren angesprochen. Die Klanglichkeit wird mehr angeregt oder das Sprachzentrum bekommt mehr Aktivität und das macht etwas mit dem Klang.

Fokussierter oder weicher Blick – die Augen machen einen Unterschied

Ein ähnliches Phänomen konnten wir beobachten, als es um den Blick zur Dirigentin ging. Schaue ich auf die Dirigentin mit der Idee, auf keinen Fall ein Signal verpassen zu wollen? Nutze ich den sehr fokussierten Blick?

Oder lasse ich meine Augen in den Höhlen ruhen, lasse die Bilder in mich hinein strömen, anstatt angestrengt heraus zu schauen? Was geschieht, wenn ich diesen eher unfokussierten Blick, den eher aufnehmenden, rezeptiven Blick nutze, um zu sehen, was die Dirigentin für Signale gibt?

Vielleicht könnt ihr euch denken, was passierte, als die Gruppe darauf vertraute, dass der weiche, weite Blick ausreichte, um alle Signale, die man brauchte aufzunehmen. Der Klang wurde voller und weicher, der Chor sang auf einmal mehr zusammen, die gemeinsame Sprache war nicht mehr mühsam und es entstand ein ganz anderer mimischer Ausdruck im Chor. Der Zusammenhalt zwischen den Sänger:innen fühlte sich auf einmal anders an, wie im Nachgespräch heraus kam und auch das körperliche Empfinden war angenehmer. Und die Atmung reagiert prompt. Ich konnte es selbst beim Schreiben bemerken, dass sie auf einmal tiefer und leichter wurde, ganz von allein.

Stimme und Autonomes Nervensystem

All das über die Augen? Wie kommt es dazu?

Wenn wir davon ausgehen, dass die Augen Teil unseres Systems für Schutz sind, dann haben wir über sie ein Tor, was uns mit dem Social Engagement System verbinden könnte. „Social engagement“ würde man in diesem Zusammenhang in etwa mit „soziale Verbindung“ übersetzen. Es ist ein Terminus, den Stephen W. Porges geprägt hat und es bedeutet, uns im weitesten Sinne sicher zu fühlen mit uns und anderen.

Und das ist ein Zustand, den wir nicht immer haben. Denn wir können auch im Kampf-Flucht Modus sein. Die Augen sind geschärft, wir schützen uns vor Gefahr, wir orientieren uns, ob wir überhaupt sicher sind, wir gehen auf Nummer sicher, wie man so schön sagt.

Unser gesamter Nervensystem-Zustand ist also ein anderer und das hören wir den Stimmen an. Und natürlich fühlen wir diesen Zustand bei uns selbst, wenn wir singen.

Wir haben viel experimentiert an diesem Wochenende. Vor allem mit dem weichen Blick und seiner Auswirkung auf alle Ebenen der Stimme.

• Wie leicht konnten die Stimmen ansprechen?
• Wie differenziert bewegte sich die Artikulation?
• Wie sehr konnte der Chor zusammen sprechen, ohne dass überhaupt Signale von mir als Dirigentin kamen?
• Was für Gefühle kamen hoch, wenn jeweils zwei Sänger:innen sich beim Singen anschauten?
• Wie veränderte sich das Vibrato?
• Wie waren die Vokalfarben?
• Und wie veränderte sich das Gemeinschaftsgefühl in der Gruppe, die ja nur für diese zwei Tage zusammen kam?

Zwei wesentliche Dinge für die Stimme an diesem Wochenende

Wir haben uns an diesem Wochenende immer wieder Fragen gestellt über den Zusammenhang von Stimme, Sehen und Augen. Durften die Augen entspannt und gleichzeitig lebendig in ihren Höhlen liegen und durfte uns das Gesehene einfach ins Auge fallen? Oder waren die Augen aktiv beschäftigt nach draußen zu schauen, etwas ins Auge zu fassen?

Die stärkere und dominante Aktivität vom parasympatischen oder sympathischen Nervensystem ist hör- und fühlbar.

Und auch das auswendige Singen versus Singen mit dem Schauen in die Noten machte einen sehr großen Unterschied. Denn sobald wir Text in den Noten haben, auf den wir schauen sind unser Wernicke und Broca Areal im Gehirn aktiv. Das sind die beiden Gehirnzentren, die mit Sprache, Spracherkennung und Sprachverarbeitung beschäftigt sind. Und damit sind die Klangzentren nicht mehr so stark im Vordergrund und das wird hörbar.

Und das Ende vom Lied war…

Wir alle waren am Ende dieses Workshops sehr berührt von den Erlebnissen, wir fühlten uns als Gruppe verbunden, wir liebten den Klang und die Musik, die wir geteilt hatten. Und wir waren glücklich, mit einem Chor so Musik machen zu können. Der emotionale Ausdruck der Stücke hatte sich komplett geändert. Es wurde so klar für alle: die Stimme reagierte auf das Sehen und unsere Augen.

Und wir waren uns einig: so ist das Chorsingen eine tiefe seelische Befriedigung. Das Social Engagement System in Aktion mit Bach und Orlando di Lasso. Was für eine großartige Gemeinschaft.

Stimme, Sehen und die Augen – ein Vorschlag zum selber ausprobieren

Probiert es doch beim Üben das nächste Mal aus.

• Was passiert, wenn es sich deine Augen in den Höhlen gemütlich machen, wie auf einem Sofa?
• Wie ist es beim Singen mit unfokussiertem Blick aus dem Fenster zu schauen?
• Wie fühlt sich dann die Atmung an?
• Und was nimmst du an deinem Klang wahr?

Sei neugierig, ob du Verändungen spüren kannst.

Und ich bin sicher, das geht in jeder Art von Musik. Musik wird sich immer verändern, besonders unsere Stimmen werden sich immer verändern, wenn wir uns mit dem Social Engagement System verbinden und das sichere Miteinander mit im Boot ist.

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Heute möchten wir euch ein paar Tipps vorstellen, die ihr nutzen könnt, um euch und euren Schüler:innen die Kieferöffnung zu erleichtern.

Warum überhaupt Kieferöffnung?

Ganz oberflächlich gesprochen: wenn wir den Mund nicht aufmachen, kann auch kein Klang herauskommen.

1. So stellt sich uns die erste Frage: mache ich meinen Mund beim Singen überhaupt auf?
2. Die zweite Frage könnte sein: wie mache ich meinen Mund beim Singen auf? Denn auch die Qualität der Öffnung spielt eine Rolle.
3. Und die dritte Frage könnte lauten: was ist überhaupt die optimale Öffnung für den Kiefer beim Singen?
4. Und danach käme die Frage, wie ich mich und meine Schüler:innen darin unterstützen kann, eine für das Singen gute Kieferöffnung zu finden.

Wie finde ich heraus, ob ich meinen Kiefer beim Singen geöffnet habe?

Fangen wir von vorne an. Du kannst es versuchen zu spüren. Wie fühlt sich Kieferöffnung für dich an?

Gibt es einen Unterschied der Kieferöffnung beim Singen im Gegensatz zum Sprechen?

Fühlt es sich beim Singen gespannt im Bereich des Kiefers an? Ist es ein angenehmes Dehnungsempfinden?

Scheint Kieferöffnung beim Singen gewohnt zu sein, fühlt sie sich deutlich offener an als du es vom Sprechen kennst?

Du kannst dich auch gern im Spiegel anschauen, um zu sehen, wie es aussieht und was du eigentlich wirklich tust. Denn oft unterscheiden sich die Empfindung und die Realität erheblich.

Wie ist die Qualität meiner Kieferöffnung?

Und dann beobachte dich einmal beim Öffnen des Kiefers? Fühlt sich die Öffnung leicht an oder fühlt es sich, als ob du gegen Widerstand öffnen müsstest?

Zieht sich der Mund breit? Geht nur der Unterkiefer herunter oder geht der Unterkiefer noch in andere Richtungen, z.B. nach vorne oder hinten oder gar zur Seite? All das sind Möglichkeiten, die dein Kiefer hat, um sich zu bewegen.

Was ist die optimale Öffnung beim Singen?

Und wenn wir nach dem Optimum fragen, könnten wir einen kleinen Vortrag darüber halten, welche Muskeln bei welcher Aktivität beteiligt sind. Aber so weit wollen wir hier nicht gehen. Kurz und knapp kann man sagen: für das Singen eines Vokals „a“ ist das ungefähre Optimum die Öffnung bis zu 2 Fingern breit.

Übungen, die du ausprobieren kannst, um eine leichtere Kieferöffnung zu erreichen

Wir möchten dir hier 3 Übungen vorstellen, die hilfreich sind, um mit Kieferöffnung zu experimentieren

1. Übung – Finger ans Kinn legen:

Lege deinen Finger an dein Kinn, singe auf einem Ton oder sprich eine Vokalreihe u-o-a und spüre, ob und wie weit sich dein Kinn bewegt. Bewegt es sich überhaupt? Wenn nicht, dann versuche es durch ganz sanftes Ziehen am Kinn zu motivieren, sich für den Vokal „a“ in Richtung abwärts zu bewegen.

Wenn du merkst, dass es schwierig ist, dann kannst du die folgende Übung ausprobieren:

2. Übung – Handflächen auf die Wange legen und streichen:

Lege deine Handflächen weich und flächig auf deine Wangen. Wenn du das nächste Mal von u über o zu a gehst, streiche deine Wangen nach schräg unten aus, um deinen Kiefer bei einer sanften Öffnung zu unterstützen.

3. Übung – zwei Finger zwischen die Zähne nehmen und damit einatmen und singen:

Wenn sich dein Kiefer an mehr Öffnung gewöhnt hat oder auch, wenn es dir angenehm ist, den Kiefer relativ weit zu öffnen, kannst du diese Übung ausprobieren.

Nimm zwei Finger aufrecht zwischen die Zähne, atme auf diese Weise schon ein, wenn es dir möglich ist und sing den Vokal A auf diese Art und Weise. Achte darauf, dass die Finger nur vorne zwischen den Zähnen sind und nicht zu weit in den Mund hinein ragen, sonst behinderst du deine Zunge bei ihrer Arbeit.

Du kannst auch mal ausprobieren, einen Ausschnitt eines Songs nur auf den Vokal A zu singen. Höre, wie der Klang ist. Genieße den Klang, vielleicht hörst du deine Stimme jetzt ein wenig anders.

Du kannst auch noch eine kleine Variation einbauen, indem du mit den beiden Fingern zwischen den Zähnen die Vokale A und O abwechselst. Das ist möglich. Und da schneiden wir dann ein weiteres wichtiges Thema der Artikulation an: Lippenrundung. Dazu findest du etwas in unserem E-Book, was du dir gern herunterladen kannst.

Wissenswertes über Kieferöffnung:

Wenn wir unseren Kiefer schließen, bedeutet das vom Nervensystem aus gesehen Schutz. Kieferschließung ist also eine wichtige Schutzfunktion. Deshalb ist es wichtig, dass du weder dich selbst noch deine Schüler:innen zwingst, ihren Kiefer gleich sehr weit zu öffnen und das wohl möglich auch noch schnell zu tun. Denn diese Bewegung braucht ein bisschen Zeit. Auch die Muskeln müssen sich erst an mehr Dehnung gewöhnen.

Der Muskel, der dominant zu unserer Kieferschließung beiträgt, der M. Masseter ist im Vergleich zu seiner Größe der stärkste Muskel in unserem Körper. Wenn wir versuchen, ihn mit Gewalt zum Dehnen zu bewegen, muss immer unsere Zunge als Hilfe mit einspringen. Denn seine Aufgabe ist Schließen und diese Funktion wird es gegen alle Widerstände versuchen auszuüben. Am Anfang ist es ganz normal, dass die Zunge bei der Öffnung mithilft. Das darf passieren. Aber je weiter wir im Singen kommen, desto wichtiger wird es, dass die Zunge flexibel und eigenständig beweglich bleibt, denn wir möchten sie differenziert für den Text in einem Song bewegen können.

Hier erfährst du noch mehr:

Wenn du mehr Informationen haben möchte, dann schau gern auch in diesen Blogartikel, der sich mit dem Zusammenhang von Kieferöffnung und N. Trigeminus befasst.

Der Beitrag Unterrichtstipp 3: leichtere Kieferöffnung erschien zuerst auf Voice Experience.

Es gibt eine große Menge an Lehrer:innen, die sich auf dem Markt anbieten, die tolle Videos machen, die uns vielleicht sogar empfohlen werden und trotzdem kann es sein, dass sie nicht die Richtigen für uns sind. Gerade als Anfänger:in ist es sehr schwer herauszufinden, was Qualität ist und auch ob jemand zu uns und unseren Zielen passt.

Wir möchten dir ein paar Tipps mit auf den Weg geben, wohl wissend, dass es trotzdem schwierig ist. Denn die Stimme ist so unglaublich individuell, dass es natürlich sein kann, dass der eine Mensch bei der gleichen Person viel lernen kann und der andere leider nicht. Denn es gibt viele Ebenen, die bei einem guten Vocal coach eine Rolle spielen.

Punkt 1: Welche Ausbildungen hat der Vocal Coach gemacht?

Als erstes ist uns wichtig, dass ihr genau nachfragt, welche Ausbildungen euer Coach gemacht hat oder woher er oder sie ihre Erfahrung als Gesangslehrer:in hat. Hat sie an einer Hochschule studiert? Wenn ja, hat sie Gesang studiert oder auch Gesangspädagogik? Hat er oder sie (zusätzliche) Fortbildungen absolviert?

Punkt 2: Was ist das Fachgebiet, was ist die Stilrichtung, die dein Vocal Coach anbietet?

Hat sich der von dir ausgewählte Coach auf etwas spezialisiert? Hat er oder sie ein Fachgebiet, wo sie sich besonders gut auskennt und passt das zu dem style, den du lernen möchtest? In der Klassik könnte es jemand sein, die sich auf Alte Musik spezialisiert hat. Wenn du am liebsten Verismo Opern singen möchtest, wäre es interessant zu schauen, wie deine Lehrer:in mit deiner bevorzugten Musik umgeht.

Im Bereich Popularmusik könnte es sein, dass du in einer Death Metal Band singen möchtest, deine Lehrer:in viel Ahnung von Belting hat, sich aber beispielsweise mit Screaming noch nie beschäftigt hat.

Da gilt es genau zu schauen, was kann ich bei der Lehrer:in, die ich mir ausgesucht habe lernen. Passt es zu dem, was ich lernen möchte.

Punkt 3: Sympathie und Wellenlänge

Ganz grundlegend sind aber auch die persönlichen Dinge. Natürlich sollte uns der Mensch, den wir uns aussuchen sympathisch sein. Denn wenn wir uns nicht angenommen und nicht sicher im Gesangsunterricht fühlen, können wir uns nicht öffnen. Unsere Stimme hat viel mit Öffnung zu tun. Das Autonome Nervensystem, vor allem der Vagus Nerv innervieren unsere Stimme und sind gleichzeitig dafür zuständig, dass wir uns ganz grundlegend in Sicherheit fühlen können. Wenn dich das Thema weiter interessiert lies gern hier weiter.

Punkt 4: Wie geht dein Coach mit den emotionalen Themen um?

In eine ganz ähnliche Kategorie gehört auch der menschliche Umgang miteinander. Dein Coach sollte sich auf alle Fälle mit psycho-emotionalen Themen gut auskennen. Denn Singen ist so persönlich, dass es nie auszuschließen ist, dass die eigene Geschichte hoch kommt, manchmal sogar in massiver Form, wenn deine bisherige Geschichte von sehr negativen Erlebnissen geprägt sein sollte. Gerade dann ist Musik etwas, was uns besonders anziehen kann, denn oft können wir in Songs, die wir besonders lieben eigene Erfahrungen verarbeiten und mit unserem ganzen Herzblut singen.

Und gleichzeitig sollte deinem Coach klar sein, dass er dich auffangen kann, aber nicht dein Therapeut ist. Das sollte für euch beide klar sein. Es sind zwei grundsätzlich unterschiedliche Vereinbarungen, die man miteinander trifft, ob man Gesangsunterricht oder Therapie sucht.

Sich über diese Dinge auszutauschen ist sehr wichtig.

Kleine, nicht ganz so erfreuliche Erfahrung zum Thema Therapie oder Gesangsunterricht:

Ich selber hatte vor sehr vielen Jahren einen Gesangslehrer, der es als ein persönliches Verdienst ansah, seine Schüler:innen zum weinen zu bringen, weil er sich wohl gut dabei fühlte, dass er so tief in die Psyche der Menschen eindringen konnte. Das ist missbräuchlich und sollte auch so benannt werden. Natürlich kann es passieren, dass du im Unterricht weinen musst, weil dich etwas sehr berührt, weil du an alte Wunden gekommen bist, das ist ein Zeichen für die eigene Berührbarkeit und komplett in Ordnung so. Und das Wissen und Mitgefühl deines Coach ist an der Stelle sehr wichtig. Aber es sollte nicht provoziert werden.

Punkt 5: Erzählt dein Coach ständig von sich und seinen großartigen Erfolgen?

Werde vorsichtig, wenn dein:e Lehrer:in dir zu viele großartige eigene Geschichten erzählt. Natürlich sollte sie Erfahrung mitbringen, sowohl als Lehrer:in als auch als Sänger:in, aber wenn die eigene Person zu sehr im Vordergrund steht ist für dich nicht mehr sehr viel Raum. Manche Lehrer:innen nutzen ihre Schüler:innen als Bewunderer und Publikum, weil sie vielleicht selbst nicht mehr so viel auf der Bühne sind und das Unterrichten nur eine weitere Möglichkeit ist, um Geld zu verdienen und bewundert zu werden.

Es spricht nichts dagegen, wenn sie auch mal von sich erzählt. Besonders wenn es Geschichten sind, die sich auf das beziehen, was du selbst gerade erlebst. Das kann sehr bereichernd und vor allem motivierend sein, wenn wir als Schüler:innen das Gefühl haben, unsere Lehrer:innen wissen, wovon sie reden und sie haben den gleichen Weg gemacht, auf dem wir uns gerade befinden. Das kann Mut machen und neue Perspektiven aufzeigen.

Punkt 6: fachliche Kompetenzen

Kommen wir jetzt zu den eher fachlichen Fragen und Kompetenzen.

Natürlich sollte dein Coach wissen, wie die Stimme funktioniert und aufgebaut ist. Wenn man unterrichtet reicht es nicht aus, wenn jemand gut singen kann. Denn wir erleben uns selbst anders als unsere Schüler:innen und wir hören uns selbst anders. Wenn wir nur das, was in uns vorgeht während wir singen und auf unsere Schüler:innen übertragen, ist das eindeutig zu wenig und wird den verschiedenen Menschen mit ihren vielfältigen Stimmen nicht gerecht.

Du solltest in jeder Stunde das Gefühl haben, dass du wirklich etwas Neues gelernt hast. Deine Fragen sollten im wesentlichen beantwortet werden können. Sicher weiß auch dein Coach manchmal keine Antwort und das ist total normal und in Ordnung, aber er sollte es klar formulieren. Und dann wird er oder sie sich hoffentlich auf den Weg zu einer Antwort machen.

Nach keiner Stunde sollte dir dein Hals weh tun. Beruhigungen im Sinn von: da muss sich jetzt deine Stimme erst einmal dran gewöhnen. Muskelkater gibt es auch an den Stimmbändern sollten dich misstrauisch machen. Egal in welcher Stilistik du singst, ein Zeichen von Halsschmerzen sollte sehr ernst genommen werden, besonders wenn es immer nach den Gesangsstunden und öfter vorkommt.

Hat dein Coach ein Konzept?

Zu den fachlichen Kompetenzen gehört auch ein Konzept. Dein Coach sollte erkennbar einem Konzept folgen können in dem Sinn, dass er weiß, was eine Stimme braucht, um sich entwickeln uns wachsen zu können. Was sind Übungen, die dir dein Instrument Stimme erst einmal klar machen? Was ist am Anfang möglich und womit wärst du überfordert?

Der grundlegende Aufbau deiner Stimme sollte am Anfang stehen, denn wenn du die Basics nicht beherrschst wird es immer schwieriger werden mit den komplexeren Fragen, die sich bei schweren Songs ergeben umgehen zu lernen.

Und an der Stelle finden wir leider viele Kolleg:innen, die sich einseitig darauf verlassen, wenn sie dir nur gut genug vorsingen, was sie möchten, dass du es dann schon umsetzen kannst. Aber das trifft leider in den allerseltensten Fällen zu. Denn allein vom Vorsingen bekommst du keine genaue Kenntnis, wie sich dein ganz eigenes Instrument anfühlt

Auch die Auswahl der Songs, die du bei deiner Entwicklungsstufe singen kannst spielt dabei eine wichtige Rolle. Denn woher sollst du wissen, welche Songs vielleicht noch zu schwer für dich sind? Sie sollte also Alternativen anbieten können, eine Repertoire Kenntnis besitzen, so dass du dich mit deinen Stücken nicht überforderst. Und gleichzeitig Immer wieder neue Dinge ausprobieren kannst.

Punkt 7: Die pädagogischen Kompetenzen

Über das Know-how der psycho-emotionalen Themen habe ich schon weiter oben geschrieben. Aber es gibt noch weitere pädagogische Kompetenzen, die ein:e Lehrer:in mitbringen sollte.

Wichtig ist unter anderem das Wissen um die Art, wie man eine Stunde aufbaut. Aber auch ein Gesamtkonzept, wie man eine Stimme zum Erfolg bringen kann.

Sie sollte damit zurecht kommen können, wenn du Übungen ablehnst, wenn du die Dinge, die sie sagt auch mal in Frage stellst. Deine Zweifel, die aufkommen können sollten ernst genommen werden. Sie sollte sich dadurch nicht immer gleich persönlich angegriffen fühlen.

Natürlich sind auch Lehrer nur Menschen, haben Gefühle, sind verletzt und zeigen das auch. Aber das sollte offen kommuniziert werden können. Und sie sollte ihre persönlichen Gefühle als das betrachten können, was sie sind, nämlich persönlich. Und damit dann allein und für sich umgehen und sie nicht ihren Schüler:innen vor die Füße werfen. Das macht eine sich selbst reflektierende und gut ressoucierte Lehrkraft aus.

Wenn du die Übungen, die vorgeschlagen werden ablehnen solltest

Wenn du eine Stimm- oder Körperübung nicht machen möchtest ist das dein gutes Recht. Du musst dich nicht rechtfertigen und auch deine Lehrkraft sollte das akzeptieren. Manchmal möchtest du vielleicht sagen, warum dir diese Übung jetzt nicht angenehm ist, manchmal möchtest du aber vielleicht auch einfach nur Nein sagen dürfen, ohne jede Erklärung. Beides sollte im Unterricht möglich sein.

Wenn du allerdings zu vielen Übungen nein sagst, solltet ihr euch beide überlegen, ob du bei der richtigen Person im Unterricht bist. Vielleicht gefällt dir die Lehrerin sehr gut, aber ihre Methode passt einfach nicht zu dir. Das ist sehr schade, aber es kommt vor. Und glaub mir, du wirst jemand anderen finden, die auch in der Methode zu dir passt.

Wie ich schon in der Einleitung schrieb, ist die Suche nach einem guten Vocal coach manchmal schwierig. Aber es lohnt sich auf alle Fälle, dafür viel Mühe aufzuwenden und Empfehlungen einzuholen. Denn deine Stimme wird es dir am Ende danken.

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Viele reden von Stütze. Wir reden lieber über flexible Atmung

Denn was passiert in den meisten gängigen Konzepten, die mit dem Begriff Stütze arbeiten? Der Bauch wird in irgendeiner Form festgehalten.
Oft wird er sehr bewusst nach außen geschoben oder nach innen gezogen. Beides kann zwar helfen, die Stimme lauter zu machen, einem auch das subjektive Gefühl vermitteln, stabil zu sein, ja auch mehr Luft zu haben, aber was passiert dabei mit dem Klang der Stimme?
Er wird härter und fester und die Stimme wird eher unflexibel!
Wie können wir das vermeiden und trotzdem Stabilität trainieren, die wir in der „Stütze“ zu recht vermuten und suchen?
Als erstes brauchen wir flexible Bauchmuskeln, die auf die Bedürfnisse unserer Stimme reagieren und nicht umgekehrt.
 

Und dazu haben wir eine Körperübung für dich, die die Einatmung unterstützt:

Die Armhebung im 45° Winkel
Sie ist aus unserem großen Fundus der funktionalen Körper-Übungen:

1. Hebe deine Arme während einer Einatmung schräg nach vorne bis auf Schulterebene. Die Handflächen zeigen zur Decke und du kannst deine beiden Handflächen gerade noch aus den Augenwinkeln sehen.
2. Genieße dabei sowohl die Aktivität, die du in den Schulterblättern spüren kannst, als auch die Weitung deiner Rippen, die sich seitlich ausdehnen.
3. Behalte diese Haltung auch während des Singens bei.
4. Nimm wahr, wie die Bewegung deines Bauches ist. Darf er während des Singens von selbst langsam nach innen gehen?
5. Nimm wahr, wie deine Stimme klingt.
6. Vergleiche einmal, wie du dich fühlst und wie es klingt, wenn du zuerst ohne diese Körperübung singst und dann die gleiche Übung auf der gleichen Tonhöhe noch einmal mit der Körperübung machst. Kannst du Unterschiede wahrnehmen?

Kurze Erklärung:

Wenn du zeitgleich mit der Einatmung deine Arme in diese Position hebst, wird sich dein Körper zuerst mehr in die Aufrichtung bringen. Denn deine Rippengelenke hinten an der Wirbelsäule können sich besser bewegen, wenn mehr Dehnung durch die gesamte Wirbelsäule geht. Und das, ohne dass du extra darüber nachdenken musst, wie du am besten zu einer Aufrichtung kommst.
Durch diese Armbewegung können deine Schulterblätter im Rücken seitlich auseinander gehen und geben damit dem rückwärtigen Teil deiner Lungen im Brustkorb Raum, sich zu entfalten.
Dein Zwerchfell kann im hinteren Teil mehr gesenkt werden und wenn du in dieser Aufrichtung bleiben kannst, werden deine Bauchmuskeln flexibel reagieren..

Diese Übung erlaubt dem Rücken, sich sehr aktiv an der Atmung zu beteiligen. Unseren Rücken haben wir oft bei der Atmung nicht so sehr im Fokus. Erstens, weil wir ihn sehr selten sehen und weil die allerwenigsten Menschen wissen, wie aktiv er sich an der Atmung beteiligen kann. Die meisten denken bei dem Begriff Tiefatmung erst einmal an Bauchatmung, denn der Bauch ist tiefer als der obere Teil des Brustkorbs. Und bei der eher flachen Atmung, die wir im normalen Leben benutzen, ist uns Aktivität im Rücken überwiegend nicht bewusst und wir wissen zu Anfang auch nicht, wie wir den Rücken ansteuern könnten.

Da hilft uns diese Art der Armhebung rein biomechanisch, die Schulterblätter in Bewegung zu bringen und den Rippen eine Dehnung zu erlauben, die uns anzeigt, dass sich die Lungen innerhalb des Brustkorbs wirklich ausdehnen konnten.

Wenn du es ausprobiert hast oder wenn du Fragen hast, gib gern in den Kommentaren ein Feedback

Du möchtest noch mehr mit der Atmung ausprobieren oder lesen?

Das ist gar kein Problem. Zum einen kannst du weitere Übungen in unseren Unterrichtstipps finden wie beispielsweise den Storchengang.

Du kannst auch noch etwas mehr über die sängerische Atmung lesen. In diesem Blogartikel findest du Einzelheiten, Dos and Don’ts der Atmung und auch das eine oder andere Bild.

Und wenn du noch mehr erfahren und weitere interessante Übungen ausprobieren möchtest, dann kannst du dich gern in unseren Newsletter eintragen und unser E-Book Faszien und Stimme für 0,- € herunterladen.

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